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Comenzamos este ciclo de estudio y práctica, con dos locos que rompieron las reglas y salieron a jugar con sus cámaras para cambiar el ángulo de la mirada para siempre. Resumen — Clase 1: ¿Por dónde empiezo? De qué se trata el taller El taller propone estudiar a fotógrafos relevantes no para volverse eruditos ni copiar su estilo, sino para encontrar inspiración, identificación emocional y, sobre todo, desarrollar un gesto personal propio — ese trazo auténtico que algunos llaman estilo. El objetivo no es hacer fotos bonitas, sino hacer fotos honestas y conectadas con la emoción de cada uno. Los tiempos son de cada quien: algunos encuentran su voz en meses, otros tardan más, y eso está bien. William Eggleston Fotógrafo norteamericano que rompió todos los moldes en los años 60. Fue disruptivo por tres razones simultáneas: Usó el color cuando el color era solo para publicidad. Lo logró con el proceso dye transfer de Kodak, que generaba colores muy saturados. También subexponía midiendo al cielo para profundizar aún más los tonos. Puso el sujeto en el centro del encuadre, rompiendo las reglas de composición clásica. Su argumento: así es como miramos naturalmente. Fotografió lo banal — triciclos, ventiladores, refrigeradores, columnas — en Mississippi, lejos de los grandes centros culturales. Su premisa: todo puede ser fotografiable. Trabajaba de forma espontánea: un solo disparo y seguía. Su obra tiene un factor lúdico y provocador, muy conectado con el pop art y su amigo Andy Warhol. Lo que hace poderosas sus fotos no es el objeto en sí, sino lo que evocan: infancia, intimidad, sexualidad, abandono — todo sin mostrarlo directamente. Eso es lo artístico: evocar sin mostrar lo evidente. Martin Parr Fotógrafo británico, irónico y disruptivo. También empezó en blanco y negro y luego incorporó el color. Su gran aporte fue fotografiar personas en situaciones cotidianas y jocosas, especialmente en playas inglesas y supermercados, con flash frontal y lente 50mm, metiéndose prácticamente encima de la gente sin pedir permiso. Sus rasgos distintivos: Humor en la fotografía, algo poco común en el medio. Una mirada irónica y sociológica sobre el consumismo y las costumbres humanas. Estética kitsch: colores que no combinan bien, flash duro, composiciones poco ortodoxas. Obra conceptual: en sus autorretratos, ni siquiera era él quien disparaba. Fue muy criticado por reírse de la gente, pero respondía que fotografiar miseria humana en lugares lejanos era exactamente lo mismo. Llegó a ser presidente de Magnum, la agencia documental más prestigiosa del mundo. Falleció en diciembre de 2024. Reflexión sobre el color El color involucra lo emocional; el blanco y negro apela más a lo psicológico. Cuando se quiere llevar al espectador a lo emocional, el color potencia ese efecto. Cuando se busca lo psicológico puro, el blanco y negro es más directo. Ambos pueden convivir según lo que se quiera expresar. Trabajar en color es más complejo porque los colores interactúan entre sí, y eso afecta incluso la secuencia de un libro o una exposición. Desafío para la próxima clase Salir a fotografiar inspirándose en Eggleston: de forma lúdica y sin presión, prestando atención a objetos, colores y formas cotidianas. Subir hasta 10 imágenes al canal #desafíos en Discord. No importa si no queda bien — lo interesante es ver qué surge. "Aún cuando odien hacerlo y sientan que no les salió nada, está bueno que puedan traerlo igual." Próxima clase Se verá a un maestro del blanco y negro y el recorte en toma, para profundizar en la idea de encontrar la esencia de la cosa con el encuadre.

En esta ocasión damos un paso mas en nuestra búsqueda, a partir de los consejos de Ralph Gibson. Resumen de Clase — Ralph Gibson Fotografía Artística · Aula Abierta Lo que se dictó Autor: Ralph Gibson La clase estuvo dedicada a recorrer la obra de Ralph Gibson a través de su fotolibro físico, incluyendo imágenes que no se encuentran disponibles en internet. Breve historia del autor Se alistó a la Marina a los 16 años, donde fue destinado al departamento fotográfico casi por casualidad, descubriendo su vocación. Trabajó 10 años en fotografía editorial y fotoperiodismo buscando su voz propia. Fue asistente de Dorothea Lange, de quien aprendió técnica de revelado e iluminación, y recibió un consejo que lo marcaría para siempre: la importancia del punto de partida. Creó su propia editorial (Lustrum Press) para autofinanciar su primera publicación. La Trilogía Negra Somnambulist (1970) — Primera gran obra. Alto contraste, recortes radicales en cámara, misterio y ambigüedad. Inspirado en sus jornadas nocturnas y un estado de sonambulismo. Fue un éxito que lo introdujo en el círculo de los fotógrafos más reconocidos de la época. Déjà-vu (1972) — Segunda parte, más confiada y con mayor presupuesto. Explora con más profundidad el díptico: la elección de pares de imágenes que se resignifican mutuamente, el uso del espacio entre fotos y la continuidad de líneas. Tercera parte de la trilogía — Empieza a explorar el cuerpo humano con una carga erótica creciente y un tono más surrealista. Incorpora el objetivo macro, acercándose a los objetos para capturar fragmentos al tamaño real. Características visuales del autor Recorte extremo en cámara (no en edición): corta articulaciones, cuello, bordes del encuadre. Altos contrastes: blancos quemados y negros plenos sin detalle. Minimalismo — pocos elementos en el encuadre, cada uno con peso propio. Formato vertical predominante, que él compara con enfocar el ojo para ver algo más agudo. Misterio y ambigüedad narrativa: no explica, sugiere. Fotógrafo callejero que construye con el azar, pero con precisión intelectual al encuadrar. Gran lector de Borges y aficionado al jazz, lo que se refleja en una poética de capas y lecturas abiertas. Concepto central: El Punto de Partida "Cuando salís a fotografiar, necesitás tener un punto de partida claro: un concepto, un formato, una intención. Si te distraés hacia otra cosa, perdés el cauce de tu obra." — Consejo de Dorothea Lange a Gibson Lo que sucedió en clase Se recorrió el fotolibro físico de Gibson página a página, analizando obras tempranas y la trilogía completa con fotos no disponibles en internet. El grupo discutió en tiempo real las características formales y poéticas de cada fotografía. Se revisaron los trabajos del ejercicio anterior (Eggleston) de Francisco y Sandra. Se realizó un ejercicio grupal interactivo con un tablero compartido en tiempo real: cada alumno eligió sus fotos favoritas de la serie presentada. Se conversó sobre las dificultades de la fotografía callejera: el miedo al robo, la vergüenza, el "caradurismo" que se va construyendo con la práctica. Reflexión final El gran legado de Gibson (vía Dorothea Lange): lo único que importa es el contenido. Todo lo demás —la técnica, el encuadre, la luz— viene después y al servicio de aquello que querés decir. Estamos muy "formateados" por las reglas clásicas de la fotografía. Los autores que estudiamos son célebres precisamente por haber roto esas reglas y ampliado sus márgenes. Desprenderse del ego es más difícil que cambiar de teoría. El miedo a que alguien nos vea fotografiar algo "banal" es parte del proceso que hay que atravesar. En cada salida, aspirar a dos o tres fotos que realmente funcionen ya es un éxito. La calidad está por encima de la cantidad. Tarea para la próxima clase Ejercicio inspirado en Gibson Fotografiar pequeños fragmentos del sujeto — ya sea una persona o una cosa. Tomar un sector que aluda al sujeto, pero sin mostrarlo todo. Que el fragmento sugiera, no que explique. Cómo encararlo Trabajar en blanco y negro con alto contraste (se puede setear en cámara o resolver en edición). Intentar el recorte en cámara, no en edición. Usar objetivo macro o teleobjetivo si se dispone de uno. Explorar el grano forzando la exposición o simulándolo en la edición. Subir las fotos al canal #desafíos en Discord en formato JPG liviano. Próxima clase: Se verá un nuevo autor con un cambio de tipología fotográfica. Las fotos se van acumulando en el tablero compartido — con el tiempo será un registro visual del progreso de todo el grupo.